Kalendarz koncertowy

Wrz
18
pon
Kayah i Bregović – Poznań
Wrz 18@20:00 – 22:00

Kayah i Goran Bregović po 17 latach przerwy ponownie łączą siły i wyruszają w wielką trasę koncertową. Artyści wystąpią wspólnie na 7 koncertach w Polsce. Swój kultowy repertuar z płyty “Kayah i Bregović” zagrają w Warszawie, Krakowie, Wrocławiu, Gdyni, Poznaniu, Łodzi oraz Szczecinie.

Na koncercie nie zabraknie takich przebojów jak „Prawy do lewego”, „Śpij kochanie, śpij”, „Byłam różą”, „To nie ptak”, czy „Sto lat młodej parze”. Artyści zapowiadają też muzyczne niespodzianki.

Album „Kayah i Bregović” to kultowa płyta w historii polskiej muzyki. Wydana w 1999 roku płyta sprzedała się w ponad milionowym nakładzie, otrzymując jednocześnie status diamentowej płyty oraz wiele nagród muzycznych, m.in. 3 Fryderyki i 4 Superjedynki.
Mimo upływu lat utwory z płyty są wciąż aktualne i podbijają serca kolejnych pokoleń.

Harmonogram całej wrześniowej trasy koncertowej:
14.09.2017 (czwartek) – Łódź, Wytwórnia
15.09.2017 (piątek) – Gdynia, Gdynia Arena
16.09.2017 (sobota) – Szczecin, Azoty Arena
18.09.2017 (poniedziałek) – Poznań, MTP II
19.09.2017 (wtorek) – Wrocław, Hala Orbita
21.09.2017 (czwartek) – Kraków, Hala Wisły
22.09.2017 (piątek) – Warszawa, Progresja // wyprzedany
23.09.2017 (sobota) – Warszawa, Progresja // wyprzedany

________________________________

Data: 18.09.2017
Miejsce: Poznań, MTP II
Głogowska 14, 60-101 Poznań
Drzwi: 18:00
Koncert: 20:00

Ceny biletów:
EARLY BIRD – od 109 zł
II PULA – od 129 zł
III PULA – od 149 zł

Wrz
19
wt
Kayah i Bregović – Wrocław
Wrz 19@20:00 – 22:00

Kayah i Goran Bregović po 17 latach przerwy ponownie łączą siły i wyruszają w wielką trasę koncertową. Artyści wystąpią wspólnie na 7 koncertach w Polsce. Swój kultowy repertuar z płyty “Kayah i Bregović” zagrają w Warszawie, Krakowie, Wrocławiu, Gdyni, Poznaniu, Łodzi oraz Szczecinie.

Na koncercie nie zabraknie takich przebojów jak „Prawy do lewego”, „Śpij kochanie, śpij”, „Byłam różą”, „To nie ptak”, czy „Sto lat młodej parze”. Artyści zapowiadają też muzyczne niespodzianki.

Album „Kayah i Bregović” to kultowa płyta w historii polskiej muzyki. Wydana w 1999 roku płyta sprzedała się w ponad milionowym nakładzie, otrzymując jednocześnie status diamentowej płyty oraz wiele nagród muzycznych, m.in. 3 Fryderyki i 4 Superjedynki.
Mimo upływu lat utwory z płyty są wciąż aktualne i podbijają serca kolejnych pokoleń.

Harmonogram całej wrześniowej trasy koncertowej:
14.09.2017 (czwartek) – Łódź, Wytwórnia
15.09.2017 (piątek) – Gdynia, Gdynia Arena
16.09.2017 (sobota) – Szczecin, Azoty Arena
18.09.2017 (poniedziałek) – Poznań, MTP II
19.09.2017 (wtorek) – Wrocław, Hala Orbita
21.09.2017 (czwartek) – Kraków, Hala Wisły
22.09.2017 (piątek) – Warszawa, Progresja // wyprzedany
23.09.2017 (sobota) – Warszawa, Progresja // wyprzedany

________________________________

Data: 19.09.2017
Miejsce: Wrocław, Hala Orbita
ul. Wejherowska 34, Wrocław
Drzwi: 18:00
Koncert: 20:00

Ceny biletów:
EARLY BIRD – od 109 zł
II PULA – od 129 zł
III PULA – od 149 zł

Wrz
21
czw
Fink – Poznań
Wrz 21@18:00
Live Nation i klub Stodoła prezentują:
Fink powraca do Polski na 4 koncerty!
16.09.2017 Gdańsk, B90
17.09.2017 Warszawa, Klub Stodoła
18.09.2017 Kraków, Klub Kwadrat
21.09.2017 Poznań, CK Zamek
Bilety w cenach od 79 zł dostępne od 3 lutego na www.LiveNation.pl
Po ogromnym sukcesie i wyprzedanych koncertach w Polsce Fink wraca do swoich polskich fanów!!!
Fin Greenall, ukrywający się pod pseudonimem artystycznym Fink, to brytyjski autor tekstów, gitarzysta, producent oraz DJ z Brighton.  Fink to artysta o jednym z najciekawszych męskich głosów ostatnich lat, a na występach tworzy niezwykłą i niesamowitą atmosferę, o czym świadczy nagroda Independent Music Awards w kategorii Najlepszy występ na żywo.
Po ostatnim projekcie zatytułowanym “Fink’s Sunday Night Blues Club Vol. 1”, Fink zdecydował się wraz z Tim’em Thornton’em oraz Guy’iem Whittaker’em- oraz z gościem specjalnym- nagrać nowy materiał i wyruszyć w trasę koncertową. Koncertując w Polsce Fink zgromadził wokół siebie wiernych fanów, a jego koncerty zawsze są magiczne i niezapomniane. Na trasie w 2017 roku nie mogło zabraknąć Polski!
We wrześniowych znów zaczaruje publiczność w Gdańsku, Warszawie, Krakowie i Poznaniu.
Fink
16.09.2017 Gdańsk, B90
17.09.2017 Warszawa, Klub Stodoła
18.09.2017 Kraków, Klub Kwadrat
21.09.2017 Poznań, CK Zamek
Bilety w cenie 79zł dostępne będą na www.LiveNation.pl i www.stodola.pl od 03.02.2017 r. od godz. 10.00.

Podane godziny są orientacyjne i mogą ulec zmianie.

Uwaga! Na teren koncertu obowiązuje zakaz wnoszenia toreb, plecaków, walizek i innych przedmiotów potencjalnie niebezpiecznych – prosimy zatem o ich niezabieranie. Pełna informacja dostępna w „Regulaminie uczestnictwa w koncercie” na www.livenation.pl.
1) osoby powyżej 16 roku życia wchodzą samodzielnie
2) osoby poniżej 16 roku życia mogą wejść za pisemną zgodą rodzica lub też pod opieką dorosłego opiekuna posiadającego własny bilet

Kup kartę podarunkową klubu Stodoła i obdaruj kogoś bliskiego wyjątkowym koncertem. Szczegóły na www.stodola.pl

Paź
8
nie
„Osiecka Jazzowo” – Urodziny Agnieszki Osieckiej w Starym Klasztorze! – Wrocław
Paź 8@20:00 – 22:00

„Osiecka Jazzowo” – Urodziny Agnieszki Osieckiej w Starym Klasztorze!

Ethno Jazz Festival zaprasza do Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze na koncert promujący wspólną płytę Natalii Lubrano z jazzowym kwartetem Krzysztofa Żesławskiego pt. „Osiecka Jazzowo”. Koncert odbędzie się 8 października w wigilię 81. rocznicy urodzin Agnieszki Osieckiej.

OSIECKA-JAZZOWO to muzyczny projekt znanego wrocławskiego muzyka Krzysztofa Żesławskiego współpracującego z zespołami Tax Free i Wolna Grupa Bukowina, który do współpracy zaprosił charyzmatyczną wokalistkę NATALIĘ LUBRANO. W grudniu 2016 roku ukazała się pierwsza płyta zespołu. Krzysztof Żesławski od wielu lat jest propagatorem twórczości Agnieszki Osieckiej, pełni również funkcję kierownika muzycznego Festiwalu Twórczości Agnieszki Osieckiej „Bardzo Wielka Woda” we Wrocławiu. Natalia ma za sobą współpracę m.in. z Andrzejem Smolikiem i zespołem Miloopa. W 2012 r . ukazała się jej solowa płyta pt. R.E.S.P.E.C.T. Natalia Lubrano jest również laureatką Przeglądu Piosenki Aktorskiej we Wrocławiu, gdzie otrzymała nagrodę publiczności. W 2014 r wzięła udział w V edycji The Voice of Poland, w drużynie Tomsona i Barona, gdzie dotarła do progu półfinału.

W skład zespołu Krzysztof Żesławski Quartet & Natalia Lubrano wchodzą:
Natalia Lubrano – śpiew
Krzysztof Żesławski – gitary
Łukasz Perek – fortepian
Wojtek Bergander – kontrabas
Jarosław Korzonek – perkusja

Paź
12
czw
Ethno Jazz Festival: Gaby Moreno – Wrocław
Paź 12@20:00

Ethno Jazz Festival: Gaby Moreno

Ethno Jazz Festival zaprasza na koncert jednej z najciekawszych obecnie wokalistek jazzowych i folkowych, Gaby Moreno. Pochodząca z Gwatemali laureatka Latin Grammy wystąpi na jedynym koncercie w Polsce 12 października w Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze.

Publiczność na całym świecie, w tym również w Polsce, miała okazję do oklaskiwania Gaby Moreno jako członka zespołu Hugh Laurie, znanego z telewizyjnych ekranów jako Dr House.

Na ostatniej płycie Hugh Laurie “Didn’t It Rain”, Gaby śpiewa razem z nim duet “Kiss of Fire”.

Gaby Moreno – pochodząca z Gwatemali piosenkarka, obecnie mieszka w Los Angeles. Nominowana do nagrody Emmy, wygrała Latin Grammy dla najlepszego artysty. Nagrała 4 albumy, koncertowała m.in. z Tracy Chapman, Ani DiFranco czy Punch Brothers oraz współtworzyła międzynarodową scenę z takimi artystami jak Bono i Andrea Boccelli. Jej piosenka „Escondidos” zdobyła najwyższą nagrodę w Konkursie Songwriting Johna Lennona.

Najnowszy albym Moreno „Ilusión” to głos imigrantki, która wkroczyła do nowego kraju z gitarą. Sama artystka mówiąc o płycie podkreśla, że jest to powrót do pierwszego albumu, który nagrywany był wówczas bardziej minimalistycznie; z mniejszą ilością muzyków, zwykle w jakimś małym pomieszczeniu z zaakceptowanymi niedoskonałościami.

Najnowsza płyta zawiera 13 piosenek, większość z nich napisana jest przez samą Moreno. Utwory odzwierciedlają organiczną mieszankę szerokiego wachlarzu wpływów artystki, od bluesa po boleros. Naturalny dźwięk zapisu oddaje analogową filozofię producenta Gabe Roth, współzałożyciela Daptone Records z siedzibą w Brooklynie, niezależnej wytwórni specjalizującej się w tym, co nazywa „nowym dźwiękiem starej duszy”.

Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Klub Muzyczny Stary Klasztor, Purkyniego 1, Wrocław

Paź
16
pon
Adam Bałdych & Helge Lien Trio oraz Tore Brunborg – Brothers – Wrocław
Paź 16@19:00

Tytuł poprzedniego albumu Adama Bałdycha, powstałego w 2015 roku to „Bridges”. I rzeczywiście – polski skrzypek wiedzie prym w budowaniu mostów między gatunkami współczesnego europejskiego jazzu. Choć ma zaledwie 31 lat, ma na koncie liczne wyróżnienia, w tym prestiżowe europejskie ECHO Jazz. Muzyka Adama Bałdycha zaskakuje bogactwem techniki – tu klasyczna finezja splata się ze spontaniczną improwizacją, z buntowniczą energią i mocą rocka. Od 2015 roku Bałdych buduje mosty przy współudziale norweskiego Helge Lien Trio. „Przemierzyliśmy tysiące kilometrów z Helge, Frode i Per Oddvarem. Ci muzycy są czymś więcej niż tylko grupą akompaniatorów” – mówi skrzypek. Nowy album Adama Bałdycha nazywa się „Brothers” i poświęcony jest pamięci zmarłego brata. Zatem dla Bałdycha i kolegów z zespołu album wykracza poza wirtuozerię czy rozrywkę. „Chciałbym, aby moja muzyka” – mówi Bałdych – „zakorzeniała się w teraźniejszości, odzwierciedlała ją. Powinna zagłębiać się w troski i tęsknoty dzisiejszego świata. Czym ma być moja muzyka? Powinna być przesłaniem miłości i piękna; bardziej niż kiedykolwiek wcześniej powinniśmy czuć się braćmi i siostrami aby lepiej zrozumieć siebie wzajemnie”. Ten ambitny cel znajduje odzwierciedlenie w tytułach, takich jak „Faith [Wiara]”, „Love [Miłość]”, „One [Jedność]” i ” Shadows [Cienie]”. Poprzez doświadczenie wspólnego grania z Helge Lienem na fortepianie, Frode Bergiem na kontrabasie i Per Oddvar Johansenem na perkusji, Bałdych posiadł idealny środek ekspresji – wyrażenia wielu aspektów braterstwa poprzez muzykę. Kwartetowi w niektórych utworach towarzyszy norweski saksofonista Tore Brunborg, który zyskał sławę pracując z artystami takimi jak Tord Gustavsen i Manu Katchè. To głębokie poczucie braterstwa między muzykami jest punktem wyjścia dla zespołu: „Jedynie dzięki bezgranicznemu zaufaniu i zrozumieniu możemy osiągnąć cele muzycznej jedności” – mówi Bałdych. „Chcielibyśmy bez kompromisów wyruszyć w muzyczne podróże, mieć odwagę odkrywać nieznane”. Ta jedność w tworzeniu muzyki przebija we wszystkich dziewięciu utworach na płycie. Osiem to oryginalne kompozycje Adama Bałdycha. Album jest bardzo spójny – jest pewnego rodzaju albumem koncepcyjnym. Bałdych szerokim gestem kreśli łuk, poczynając od ciężkiego i rokowego hymnu „Elegy” poprzez balladę „Faith”, która delikatnie włącza słuchacza w krąg zaufania i igra pomiędzy dur i mol. Potem podejmuje liryczne zobowiązanie jedności („One”). Tytułowy utwór „Brothers” poruszająco krąży wokół tematu, dociera do punktu w którym „Hallelujah” Leonarda Cohena wydaje się wydobywać z nicości i cicho zanikać wracając do niej. „W porównaniu z naszym poprzednim albumem – „Bridges”, muzyka w „Brothers” jest „brudniejsza” i bardziej nieskrępowana. – mówi Bałdych. To tak, jakby mogli istnieć na krawędzi cienkiej jak ostrze noża, pomiędzy tym, co Lacan nazwał „płaczem” i milczeniem. Taki jest dzisiejszy świat: radość i tragedia mogą współistnieć”. Autor „Brothers” poprzez muzykę jest zdolny obrazować całą gamę emocji. Pianissimo nasycone jest i uczuciami, ale i przejrzystością. Z drugiej zaś strony Bałdych jest w stanie dojść do granicy krzyku, gdzie natężenie i głośność graniczy niemalże z eksplozją. Interakcja polskich i skandynawskich dźwięków, tradycji amerykańskiego i europejskiego jazzu, sposoby łączenia i uzupełniania stylów i gatunków … wszystko niesie ze sobą ducha braterstwa. Słuchacze są wciągani bez reszty, stają się duchowymi braćmi i siostrami. Album „Brothers” nagrany z norweskim trio to już czwarta płyta Adama Bałdycha nagrana dla prestiżowej wytwórni ACT Music. Album nagrany został w Hansa Studios w Berlinie w dniach 13-14.11.2016. Okładkę albumu tworzy dzieło rzeźbiarza Alfa Lechnera „Anlehnung”. Album „Brothers” ukaże się nakładem ACT Music 25 sierpnia 2017 roku.

Paź
17
wt
Ethno Jazz Festival: Kroke feat. Zohar Fresco – Wrocław
Paź 17@20:00 – 21:00

KROKE & PRZYJACIELE – jubileusz 25 lecia zespołu!

Gościnnie: ANNA MARIA JOPEK / TOMASZ STAŃKO / ZOHAR FRESCO / SŁAWEK BERNY

Od początku istnienia ideą zespołu było ciągłe szukanie czegoś nowego, także w nas samych. Chcielibyśmy – przyznają muzycy – aby nasza muzyka była nazywana po prostu MUZYKĄ KROKE.

KROKE (w języku jidysz: Kraków) stworzyła w 1992 roku trójka przyjaciół: Tomasz Kukurba, Jerzy Bawoł i Tomasz Lato. Jako absolwenci krakowskiej Akademii Muzycznej, ale również artyści poszukujący, nie stronili od eksperymentów z jazzem oraz muzyką współczesną. Zespół, początkowo kojarzony głównie z twórczością klezmerską, oscyluje obecnie wokół różnych gatunków. Artyści czerpią inspirację z muzyki etnicznej całego świata, zawsze jednak wzbogacają dzieła autorskimi improwizacjami. W ten sposób KROKE tworzy własny, unoszący się ponad granicami, czasem i formami styl. KROKE to też jeden z pierwszych zespołów, który wyszedł ze swoją muzyką do publiczności. Muzyków można było spotkać na ulicach i w klubach krakowskiego Kazimierza, kiedyś żydowskiej części miasta. Grali kompozycje dla jednych całkiem nieznane, w innych zaś budzące wspomnienie świata, który dawno odszedł w zapomnienie. To właśnie tam po raz pierwszy można było usłyszeć utwory, które w 1993 roku ukazały się na pierwszej, wydanej własnym nakładem kasecie zespołu.

Do „Ariela”, w którym często koncertowało KROKE, zawitała któregoś dnia Kate Capshaw, żona Stevena Spielberga, który realizował wtedy w Krakowie film Lista Schindlera. Pewnego wieczoru na koncert zabrała męża… Reżyser szybko docenił ogromny talent KROKE i zaprosił grupę do Jerozolimy na występ podczas uroczystości Survivors Reunion, zorganizowanej dla ocalałych z listy Oskara Schindlera. Od tego niesamowitego momentu wszystko stało się głębsze… Wtedy tak naprawdę zespół się narodził. Dostaliśmy od tych ludzi – niektórzy z nich byli klezmerami –pewnego rodzaju muzyczne błogosławieństwo – wspominają dziś muzycy.

Jednak to był dopiero początek wielkiej przygody. Spielberg przesłał kasetę KROKE Peterowi Gabrielowi, który w 1997 roku zaprosił zespół do Wielkiej Brytanii na Festiwal WOMAD. Publiczność gorąco przyjęła zarówno sam koncert, jak i debiutancką płytę Trio. Spotkanie to zaowocowało również wspólnymi nagraniami w Real World Studios. Fragmenty nagrania zostały później wykorzystane przez Gabriela na płycie Long Walk Home stanowiącej ścieżkę dźwiękową do filmu Rabbit – Proof Fence.

W 1997 roku ukazał się drugi album zespołu – Eden. Tym razem tradycyjne klezmerskie motywy w połączeniu ze współczesną wrażliwością muzyczną zyskały nową, intensywniejszą barwę. Od tamtej pory KROKE coraz chętniej – ale jednocześnie bez odcinania się od tradycyjnych źródeł klezmerskich – sięgało do wzorców sefardyjskich i arabskich. Efektem tych poszukiwań stała się płyta Sounds Of The Vanishing World – nastrojowe świadectwo ewolucji KROKE i zdolności muzyków do kreowania własnego stylu. Dowodem na słuszność artystycznych decyzji członków zespołu było uhonorowanie KROKE prestiżową nagrodą – Preis der Deutsche Schalplattenkritik za rok 2000.

Latem 2001 roku, podczas występów w Kornwalii, doszło do pierwszego spotkania KROKE z Nigelem Kennedym. Artysta wykazał natychmiastową gotowość do współpracy, której zwieńczeniem stało się wydanie wspólnej płyty East Meets East w 2003 roku. KROKE otrzymało także nominację do nagrody BBC Radio 3 w kategorii „World music”, a współpraca z Nigelem Kennedym przerodziła się w serię entuzjastycznie przyjmowanych na europejskich festiwalach koncertów. W tamtym czasie ukazała się też kolejna autorska płyta – Ten Pieces To Save The World. Ten melodyjny, klimatyczny album uplasował się na drugim miejscu europejskiej listy World Music Charts i stanowił zwieńczenie 10 lat istnienia KROKE. W 2004 roku zespół wydał kolejną płytę koncertową – Quartet – Live At Home, nagraną w studiu S-5 Radia Kraków z udziałem krakowskiego perkusisty jazzowego Tomasza Grochota, który jeszcze przez kilka kolejnych lat występował z zespołem.

Rok później grupa rozpoczęła współpracę z Edytą Geppert i Krzysztofem Herdzinem nad nowym projektem, zamykającym się w albumie Śpiewam życie. Krążek osiągnął ostatecznie status Złotej Płyty, a zespół koncertował równolegle w Polsce i w Niemczech z orkiestrą Sinfonia Baltica i programem KROKE – symfonicznie w aranżacjach i pod dyrekcją Bohdana Jarmołowicza.

W 2006 roku utwór The Secrets of The Life Tree w wykonaniu KROKE znalazł się na ścieżce dźwiękowej filmu Davida Lyncha Inland Empire, a rok później, w 15. rocznicę powstania zespołu, KROKE wydało swój kolejny studyjny album Seventh Trip – energetyczną podróż po orientalnych szlakach muzycznych. Cały kolejny rok działalności to szereg koncertów w Polsce i za granicą oraz praca nad projektem kameralnym w aranżacji Krzysztofa Herdzina. Premiera tego przedsięwzięcia – z udziałem orkiestry Sinfónica de Burgos – odbyła się w Hiszpanii. Kolejne odsłony projektu zabrzmiały w Krakowie i Sankt Petersburgu z towarzyszeniem orkiestry Sinfonietta Cracovia pod dyrekcją Roberta Kabary, która nadała projektowi niepowtarzalne brzmienie z pogranicza muzyki klasycznej i współczesnej. Rok 2009 był dla KROKE kolejnym przełomem i zwrotem na drodze artystycznej – zespół coraz częściej występował jako trio, bez perkusji, dzięki czemu koncerty nabrały bardziej kameralnego charakteru, a w muzyce pojawiły się dawno niesłyszane brzmienia aszkenazyjskie i bałkańskie. Janusz Makuch, dyrektor Festiwalu Kultury Żydowskiej w Krakowie, nazwał to „powrotem do korzeni”, a zespół udokumentował swoje poszukiwania albumem Out of Sight, w którym pełne energii i czerpiące z tradycji klezmerskiej utwory współistnieją z kompozycjami z pogranicza jazzu i nastrojowymi wokalizami Tomasza Kukurby. W roku 2010 zespół koncertował wspólnie z norweską grupą Tindra oraz z hiszpańskim skrzypkiem Diego Galazem, wystąpił również na Polish Weekend in Southbank Centre w Londynie u boku Nigela Kennedy’ego. W styczniu 2011 roku KROKE, Maja Sikorowska (śpiew), Sławek Berny (instrumenty perkusyjne) nagrali wspólnie dwanaście pełnych emocji i impresji greckich pieśni. Owocem tej pracy stała się znakomita płyta Avra. Lata 2010-2012 to współpraca koncertowa z mongolską wokalistką Urną Chahar-Tugchi, Krzysztofem Herdzinem, a także Anną Marią Jopek, która pojawiła się na nagranym z orkiestrą Sinfonietta Cracovia albumie zespołu pt “Feelharmony” (uhonorowanego złotą płytą). W roku 2014 została wydana płyta „Ten”, która natychmiast otrzymała status złotej oraz była nominowana do nagrody muzycznej Fryderyki 2015. Współpraca z Anną Marią Jopek rozwinęła się. Artyści nagrali utwór „Psalmia”, który ukazał się na wspomnianym albumie. Wspólnie koncertują ze swoim projektem zarówno w Polsce jak i za granicą.

Rok później powstał niecodzienny projekt. „Kabaret Śmierci” to efekt współpracy z polskim reżyserem Andrzejem Celińskim przy jego projekcie traktującym o protagonistach kultury i rozrywki w nazistowskich obozach koncentracyjnych. Jednakże nie jest to album ze ścieżką dźwiękową. Zespół przepisał muzykę w nowej aranżacji, dodał nowe utwory i nagrał całość jeszcze raz tworząc tym samym refleksyjną suitę. Rok 2016 zaowocował dwoma wydawnictwami – reedycją płyty „Ten” (album poszerzony o dwa utwory – kolędy „Mizerna Cicha” i „Z narodzenia Pana” ) oraz specjalnym świątecznym Boksem.

Rok 2017 to przede wszystkim obchody 25-lecia istnienia zespołu, a także premiera nowego albumu „Traveller”, który swoją premierę miał w marcu. Jak mówią muzycy: Kroke od 25-ciu lat jest podróżnikiem, który nie tylko czerpie radość z wypraw, ale również wyciąga z nich naukę dla siebie i stara się nią dzielić z innymi. Zapraszamy więc do podróżowania po ćwierćwiecznym doświadczeniu muzycznych przestrzeni KROKE słuchając naszej nowej płyty „Traveller”. Klezmerzy przede wszystkim improwizowali. Improwizacja w muzyce KROKE pojawia się od początku i jest do dziś jej najważniejszym elementem. Nasza improwizacja to pewnego rodzaju portal, przez który światy naszych dusz wędrują prosto do tych, którzy chcą te światy poznawać – wyjaśniają muzycy.

MUZYCY: Jerzy Bawoł – akordeon Tomasz Kukurba – altówka Tomasz Lato – kontrabas.

Paź
18
śr
Ethno Jazz Festival: Kenny Garrett – Wrocław
Paź 18@20:00

Ethno Jazz Festival: Kenny Garrett

Kenny Garrett – pięciokrotny laureat nagrody Grammy zagra we Wrocławiu! Ethno Jazz Festival ma zaszczyt zaprosić na koncert jednego z najwybitniejszych współczesnych saksofonistów jazzowych.

Kenny Garrett z zespołem wystąpi 18 października w sali teatralnej B.F.Impart na koncercie promującym najnowszą płytę pt. Do Your Dance!

Kenny Garrett urodzony w Detroit to pięciokrotny laureat nagrody GRAMMY oraz nagrody GRAMMY 2010 jako członek zespołu Chick Corea & Johna McLaughlin z Five Peace Band.

Lista gwiazd z którymi współpracował zaczyna się od Duke Ellington Orchestra, Freddie Hubbard, Woody Shaw, Donald Byrd i Miles Davis, kończąc na współczesnych sławach takich jak Marcus Miller, Sting, MeShell Ndegeocello, Q-Tip i Cameo.

Saksofonista / kompozytor / aranżer, Kenny Garrett wraz z zespołem, grający tradycyjny jazz znany jest szerokiej publiczności jako nieobliczalny artysta, zachęcający uczestników koncertów do poderwania się z miejsc i uwolnienia swoich emocji. Czy to w Hiszpanii, gdzie człowiek z Kamerunu poderwał się i zaprezentował afrykański taniec, a następnie dołączył do niego młody breakdancer czy w Niemczech, gdy do tańca ruszył wyraźnie wyszkolony tancerz baletu. Improwizacyjne szaleństwo miało także miejsce w Polsce, gdzie jeden z widzów dosłownie skoczył z balkonu na scenę, aby móc zatańczyć!

Spektakl jest zawsze taki sam: duch muzyki przechodzi przez widza, a ruchy przychodzą naturalnie. To ten duch, którego Garrett był świadkiem grając na scenach na całym świecie, który był inspiracją dla artysty i obecnie wypełnia Do Your Dance! – czwarty krążek saksofonisty wydany przez Mack Avenue Records.

„Spoglądam i patrzę na ludzi oczekujących na piosenki, przy których mogą się bawić i wyrażać siebie”, potwierdza Garrett, dziewięciokrotny zwycięzca DownBeat’s Reader’s Poll for Alto Saxophonist of the Year.

Album „Do Your Dance! zainspirowany został przez publiczność, która podczas występów Kennego wstawała z ich miejsc i tańczyła w swoim rytmie. „Niektórzy niechętnie uczestniczą, ponieważ uważają, że inni są lepsi niż oni. Mówię im: Do your dance! Nie martw się tym, co robi druga osoba. Pozwól wszystkim spędzać czas i „Rób swój taniec!”

Do Your Dance! to podróż przez rytmy z melodyjnego „Calypso Chant”, kojący, zainspirowany Brazylią „Bossa”, prowadzący do letniego ducha „Backyard Groove” i „Philly”.

„To był wir,” podsumowuje Garrett. „Nagrania i koncerty są dla mnie niezwykle znaczące. Biorę ludzi na przejażdżkę, chcę przedstawić im moje wizje. Możemy zacząć od ładnych ballad, następnie dodać trochę intensywności, a potem możemy się bawić! Kiedy fani muzyki odejdą, mam nadzieję, że czują, że zabraliśmy ich w podróż. A kiedy wrócą do nas, bądź włożą płytę do odtwarzacza, mam nadzieję, że będą mieć jeszcze szersze spojrzenie na muzykę”.

We Wrocławiu zespół wystąpi w składzie:
Kenny Garrett – sax
Nat Reeves – bass
Ronald Bruner – drums
Benito Gonzalez – piano
Rudy Bird – percussion
Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Centrum Sztuki IMPART, Mazowiecka 17, Wrocław

Paź
19
czw
City Sounds: Schmidt Electric feat. Ten Typ Mes – Wrocław
Paź 19@20:00

City Sounds: Schmidt Electric feat. Ten Typ Mes

Ten Typ Mes z jazzowym zespołem Schmidt Electric w Starym Klasztorze! City Sounds zaprasza na niezwykły koncert będący połączeniem elektrycznego jazzu i hip hopu w najlepszym możliwym wydaniu!

Znany polski raper Piotr Szmidt (Ten Typ Mes) i znany trębacz jazzowy Piotr Schmidt zagrają wspólny koncert 19 października w Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze

Obaj poznali się na Facebooku, jako aktywni, twórczy artyści, których połączyła zbieżność imion i nazwisk. Okazało się, że łączą ich także podobne zainteresowania muzyczne których efektem było z jednej strony zaproszenie Piotra Schmidta do nagrania partii trąbki na poprzedniej płycie Ten Typ Mesa, z drugiej zaś, Piotr Schmidt odwdzięczył Mesa, a także rapera Łukasza Stasiaka, do wspólnego koncertowania.

Schmidt Electric to jeden z najlepszych zespołów jazzu elektrycznego w Polsce. To czworo znakomitych instrumentalistów, uznanych i wielokrotnie nagradzanych na konkursach i festiwalach, którzy mają odwagę łączyć jazz z aktualnymi trendami muzycznymi, świeżym spojrzeniem i nowymi nurtami – tworząc zupełnie nową, niepowtarzalną jakość! Od momentu powstania zespołu w kwietniu 2011r. w tym roku mija 6 lat! A w tym czasie – ponad 120 koncertów w Polsce i za granicą, dziesiątki tras koncertowych, setki godzin wspólnego grania i dwie znakomite płyty. Dziś muzycznie rozumieją się bez słów i czerpią od siebie energię na każdym z koncertów przekazując ją publiczności.

Koncert promować będzie dwie ostatnie płyty zespołu – studyjną „Tear The Roof Off” z 2015 roku oraz koncertową „Live”, która ukazała się w czerwcu tego roku.

Piotr Szmidt (Ten Typ Mes) – rap
Piotr Schmidt – trąbka, efekty
Łukasz Stasiak – rap
Alex Hutchings – gitara elektryczna
Mr. Krime – DJ, turntablism
Tomasz Bura – klawisze, syntezatory
Michał Kapczuk – gitara basowa, mini moog
Sebastian Kuchczyński – perkusja, pady
Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Klub Muzyczny Stary Klasztor, Purkyniego 1, Wrocław

Paź
22
nie
Cécile McLorin Salvant – Wrocław
Paź 22@19:00 – 21:00

Okularnica o rozbrajającym uśmiechu i poruszającym, pełnym emocji głosie – oto Cécile McLorin Salvant młoda kompozytorka i wokalistka o „wiekowej duszy”. Na swoim koncie ma już m.in. nagrodę Grammy oraz tytuł najbardziej obiecującego głosu dekady przyznany przez „The New York Times”.

Artystka pochodzi z Miami, ale wychowała się we Francji. Od dziecka grała na pianinie i ćwiczyła śpiew klasyczny. Zakochała się w wielkich kobiecych głosach – Sarah Vaughan, Bessie Smith, Billie Holiday. Z kolei w muzycznej historii Ameryki odnalazła nowe inspiracje dla swojej muzyki, którą sama określa jako mieszankę jazzu, bluesa, folku i melodii wodewilowych. Cecile McLorin Salvant to zaangażowana poszukiwaczka zaginionych dźwięków – jej ulubione utwory to te mało znane czy wręcz zapomniane. Stara się je przywracać słuchaczom we własnych wersjach. Oprócz tego, że przypomina już znane kompozycje, pisze także własne utwory; śpiewa po angielsku, hiszpańsku i francusku. Jej wykonania są zawsze pełne uważności i przejmujących emocji. Artystka demonstruje je czasami z powagą i dobitnością aktorki niemego kina, a czasami z wodewilową zaczepnością.

Jeśli kochają Państwo ponadczasowe brzmienia, a także klimaty retro połączone z nowoczesnym wykonawstwem i produkcją, punktem obowiązkowym jest przyjście na koncert Cécile McLorin Salvant.

Paź
24
wt
Ethno Jazz Festival: „Noc w Lizbonie” – Mario Moita & Joao de Sousa – Wrocław
Paź 24@20:00

„Noc w Lizbonie” – koncert wielkich przebojów fado w wykonaniu Mario Moita & João de Sousa!

…… Mówi się, że fado nie da się opisać, że trzeba je przeżyć….. Fado dla swych wykonawców jest balsamem duszy, śpiew uświęca, taniec dodaje mocy, jest wewnętrznym rytuałem, a śpiewak zamyka oczy i jego głos płynie z wnętrza.

Ethno Jazz Festival zaprasza 24 października do Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze na koncert „Noc w Lizbonie”, podczas którego największe przeboje muzyki fado zagrają i zaśpiewają Mario Moita, jeden z najznakomitszych portugalskich pianistów i akordeonistów oraz znany wrocławskiej publiczności, João de Sousa z towarzyszeniem zespołu muzycznego.

Mario Moita urodził się w Alentejo w Portugalii. W młodości odkrył swoje zdolności muzyczne. Z pięknym głosem, gdy miał zaledwie osiem lat, wygrał galę dla młodych wykonawców w mieście Evora. W wieku dziesięciu lat występował przed kilkutysięczną widownią w swoim rodzinnym mieście podczas corocznych świąt Reguengos de Monsaraz. Następnie rozpoczął naukę gry na pianinie w Konserwatorium Muzycznym Evory. Później Mario miał okazję spotkać się z pianistą Furtunato Murteirą, który był współczesnym wielkim kompozytorem fado Alberto Janesem. Na początku lat 90. założył grupę muzyczną. Dwa lata później wrócił do swojego rodzimego Alentejo i założył zespół „Six Tetos”. W 1993 roku grupa brała udział w programie telewizyjnym „Chuva de Estrelas” w portugalskiej stacji telewizyjnej SIC. W 1995 roku Mario rozpoczął pracę jako pianista na zamku królowej Isabel. Zamiast wspólnego sposobu fado, w towarzystwie gitary, Mario poświęcił się fado na fortepianie. Według Mario najlepiej byłoby nie przekazywać muzyki „po prostu”, ale powiązać ją z kulturą i wspaniałą historią Portugalii. W 2003 roku Mario Moita wkroczył na nowy etap swojego życia. Reprezentował Portugalię podczas setek festiwali muzycznych i w teatrach na całym świecie. Występował w ponad 30 krajach – od Rumunii przez Estonię i Polskę, aż do Japonii. Dużo czasu spędza także w Brazylii, gdzie jest lubiany przez media, w tym Jo Soaresa, który zaprosił go kilka razy do słynnego talk show telewizyjnego.

João de Sousa to portugalski wokalista, gitarzysta, kompozytor mieszkający we Wrocławiu. Jest znany polskiej publiczności jako finalista 4. edycji programu X-Factor oraz koncertów własnych i z Arielem Ramirezem z Argentyny. Jego pieśni znaleźć można na radiowej płycie RAM Cafe vol. 7 oraz albumie SIESTA 11 Marcina Kydryńskiego i na dwóch jego własnych albumach „João de Sousa & Fado Polaco” oraz „Luta”.

Paź
25
śr
Wojtek Justyna TreeOh! – Wrocław
Paź 25@20:00

Wojtek Justyna TreeOh!

Jazz na funkowym gruncie, czyli ekspresyjny elektryczny fusion w wykonaniu międzynarodowej formacji.
Wojtek Justyna TreeOh! z Holandii. W ich muzyce pulsuje funkowy groove, przewija się współczesny soul, pierwotny blues i rdzenne afrykańskie rytmy. Ta grupa wszechstronnych, europejskich instrumentalistów dostarcza niezwykłych wrażeń podczas koncertów.

Grają wielobarwne i pełne temperamentu utwory o dynamicznej, porywającej rytmice i intrygujących melodiach, wzbogacone żywiołowymi improwizacjami i wartkim dialogiem muzycznym między sobą. Niepowtarzalny klimat ich występów na długo zapada w pamięć. Muzycy mają na swoim koncie kapitalny zbiór znakomicie zagranych kompozycji swego lidera i gitarzysty, które znalazły się na ich debiutanckiej płycie pod tytułem Definitely Something (2015). Od kilku lat prezentują się w różnych częściach Europy w klubach i na renomowanych festiwalach. Brali udział m. in. w Jazz Festival Delft i State-X New Forms w Holandii, Jazzmeile Thüringen w Niemczech i w Letnim Festiwalu Jazzowym w Krakowie.

Podczas jesiennej trasy Wojtek Justyna TreeOh! zaprezentuje nowy, nigdzie wcześniej nie wykonywany repertuar, który ukaże się na ich drugie płycie w marcu 2018 roku.

Wystąpią:

Wojtek Justyna (Polska) – gitara
Daniel Lottersberger (Austria) – gitara basowa
Alex Bernath (Niemcy) – perkusja
Diogo Carvalho (Portugalia) – perkusjonalia
Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Klub Alive, ul. Kolejowej 12, Wrocław

Lis
4
sob
Adam Bałdych & Helge Lien Trio oraz Tore Brunborg – Brothers – Poznań
Lis 4@19:00

Tytuł poprzedniego albumu Adama Bałdycha, powstałego w 2015 roku to „Bridges”. I rzeczywiście – polski skrzypek wiedzie prym w budowaniu mostów między gatunkami współczesnego europejskiego jazzu. Choć ma zaledwie 31 lat, ma na koncie liczne wyróżnienia, w tym prestiżowe europejskie ECHO Jazz. Muzyka Adama Bałdycha zaskakuje bogactwem techniki – tu klasyczna finezja splata się ze spontaniczną improwizacją, z buntowniczą energią i mocą rocka. Od 2015 roku Bałdych buduje mosty przy współudziale norweskiego Helge Lien Trio. „Przemierzyliśmy tysiące kilometrów z Helge, Frode i Per Oddvarem. Ci muzycy są czymś więcej niż tylko grupą akompaniatorów” – mówi skrzypek. Nowy album Adama Bałdycha nazywa się „Brothers” i poświęcony jest pamięci zmarłego brata. Zatem dla Bałdycha i kolegów z zespołu album wykracza poza wirtuozerię czy rozrywkę. „Chciałbym, aby moja muzyka” – mówi Bałdych – „zakorzeniała się w teraźniejszości, odzwierciedlała ją. Powinna zagłębiać się w troski i tęsknoty dzisiejszego świata. Czym ma być moja muzyka? Powinna być przesłaniem miłości i piękna; bardziej niż kiedykolwiek wcześniej powinniśmy czuć się braćmi i siostrami aby lepiej zrozumieć siebie wzajemnie”. Ten ambitny cel znajduje odzwierciedlenie w tytułach, takich jak „Faith [Wiara]”, „Love [Miłość]”, „One [Jedność]” i ” Shadows [Cienie]”. Poprzez doświadczenie wspólnego grania z Helge Lienem na fortepianie, Frode Bergiem na kontrabasie i Per Oddvar Johansenem na perkusji, Bałdych posiadł idealny środek ekspresji – wyrażenia wielu aspektów braterstwa poprzez muzykę. Kwartetowi w niektórych utworach towarzyszy norweski saksofonista Tore Brunborg, który zyskał sławę pracując z artystami takimi jak Tord Gustavsen i Manu Katchè. To głębokie poczucie braterstwa między muzykami jest punktem wyjścia dla zespołu: „Jedynie dzięki bezgranicznemu zaufaniu i zrozumieniu możemy osiągnąć cele muzycznej jedności” – mówi Bałdych. „Chcielibyśmy bez kompromisów wyruszyć w muzyczne podróże, mieć odwagę odkrywać nieznane”. Ta jedność w tworzeniu muzyki przebija we wszystkich dziewięciu utworach na płycie. Osiem to oryginalne kompozycje Adama Bałdycha. Album jest bardzo spójny – jest pewnego rodzaju albumem koncepcyjnym. Bałdych szerokim gestem kreśli łuk, poczynając od ciężkiego i rokowego hymnu „Elegy” poprzez balladę „Faith”, która delikatnie włącza słuchacza w krąg zaufania i igra pomiędzy dur i mol. Potem podejmuje liryczne zobowiązanie jedności („One”). Tytułowy utwór „Brothers” poruszająco krąży wokół tematu, dociera do punktu w którym „Hallelujah” Leonarda Cohena wydaje się wydobywać z nicości i cicho zanikać wracając do niej. „W porównaniu z naszym poprzednim albumem – „Bridges”, muzyka w „Brothers” jest „brudniejsza” i bardziej nieskrępowana. – mówi Bałdych. To tak, jakby mogli istnieć na krawędzi cienkiej jak ostrze noża, pomiędzy tym, co Lacan nazwał „płaczem” i milczeniem. Taki jest dzisiejszy świat: radość i tragedia mogą współistnieć”. Autor „Brothers” poprzez muzykę jest zdolny obrazować całą gamę emocji. Pianissimo nasycone jest i uczuciami, ale i przejrzystością. Z drugiej zaś strony Bałdych jest w stanie dojść do granicy krzyku, gdzie natężenie i głośność graniczy niemalże z eksplozją. Interakcja polskich i skandynawskich dźwięków, tradycji amerykańskiego i europejskiego jazzu, sposoby łączenia i uzupełniania stylów i gatunków … wszystko niesie ze sobą ducha braterstwa. Słuchacze są wciągani bez reszty, stają się duchowymi braćmi i siostrami. Album „Brothers” nagrany z norweskim trio to już czwarta płyta Adama Bałdycha nagrana dla prestiżowej wytwórni ACT Music. Album nagrany został w Hansa Studios w Berlinie w dniach 13-14.11.2016. Okładkę albumu tworzy dzieło rzeźbiarza Alfa Lechnera „Anlehnung”. Album „Brothers” ukaże się nakładem ACT Music 25 sierpnia 2017 roku.

Lis
6
pon
Ethno Jazz Festival: Tribute to Leonard Cohen –
Lis 6@20:00

Ethno Jazz Festival: Tribute to Leonard Cohen

W listopadzie minie rok od śmierci kanadyjskiego barda, poety i pisarza, Leonarda Cohena.

6 listopada, w wigilię pierwszej rocznicy odejścia Mistrza, Ethno Jazz Festival zaprasza do Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze na koncert „Tribute to Leonard Cohen”.

Nieśmiertelne przeboje, jak „In My Secret Life”, „Dance Me to the End of Love”, „Suzanne”, „Sisters of Mercy” oraz mniej znane ballady Leonarda Cohena usłyszymy w aranżacjach znakomitej wokalistki Pauliny Lendy i zespołu w składzie: Robert Jarmużek – piano, Marek Popów – gitara, Andrzej Stagraczyński – bas, Łukasz Kowalczyk – perkusja.

Paulina Lenda to wokalistka i autorka tekstów znana za sprawą niepowtarzalnej głębokiej barwy swojego niskiego głosu. Pochodzi ze Świdnicy. Muzycznie bardzo dużo czerpie z akustyki i muzyki folkowej – wśród największych inspiracji podaje takich artystów, jak: Damien Rice, Susie Suh, Ray LaMontagne, Noah Gundersen, James Vincent McMorrow, Patti Smith i Leonard Cohen, natomiast za niedościgniony życiowy wzór – Janis Joplin, dzięki której zakochała się w psychodelicznej muzyce/sztuce z lat 70, i przez którą chciała prowadzić hipisowski styl życia, podróżując i bawiąc się chwilą. Wychowywała się jednak, słuchając czarnej muzyki. Obecnie artyści, którzy mają duży wpływ na jej twórczość, to m.in. Tracy Chapman, Lauryn Hill, Lizz Wright, India Arie, Erykah Badu.

W 2008 r. została odkryta dzięki programowi „Mam Talent”. W pierwszej polskiej edycji tego telewizyjnego show pojawiła się na scenie z coverem piosenki „Ready for love” z repertuaru India Arie. Ten szokujący występ tak dojrzałej 15. latki w telewizyjnym show pozwolił jej na zderzenie się z muzycznym rynkiem w Polsce. W 2014 roku Paulina nagrała swoją pierwszą płytę, zatytułowaną „Wolf Girl”.

Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Klub Muzyczny Stary Klasztor, Purkyniego 1, Wrocław

Lis
10
pt
Ethno Jazz Festival: DIKANDA – XX urodziny
Lis 10@20:00

Before WOMEX 2017: Dikanda

DIKANDA, jeden z najważniejszych wykonawców polskiej sceny world music obchodzi w tym roku 20. rocznicę swojego istnienia. Na Koncert Urodzinowy zapraszamy 10 listopada do Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze. Szykuje się wspaniały wieczór z muzycznymi niespodziankami i gośćmi zespołu. Rezerwujcie czas!

Dikanda to słowo, które w jednym z afrykańskich dialektów oznacza rodzinę i ono właśnie dokładnie oddaje ducha zespołu – żyją i pracują jak w małej rodzinie.

Grupa powstała w 1997 roku w Szczecinie. Miłość do muzyki tradycyjnej i ciężka praca pozwoliły im stworzyć własny styl i oryginalne brzmienie. W ich w całości akustycznym repertuarze słychać inspirację kulturą Orientu, folklorem bałkańskim – macedońskim i cygańskim. Cechą charakterystyczną stylu Dikandy jest tworzenie nowych słów i znaczeń w komponowanych przez siebie utworach.

Koncerty Dikandy to niepowtarzalna podróż po muzyce świata, żywiołowe spotkanie pełne energii, charyzmy, prawdziwych emocji, radości i wzruszenia zarówno dla publiczności jak i samego zespołu.

Grali w azjatyckiej części Rosji, w Indiach i w większości krajów Europy. Brali udział w wielu festiwalach, m.in. : Montreux Jazz Festival, Sziget Festival (Budapest), Rudolstadt i Festiwal Opolski. Zyskali popularność i wielką sympatię publiczności w wielu krajach Europy.

Dikanda to:
Ania Witczak – śpiew, akordeon
Kasia Dziubak – skrzypce, śpiew
Kasia Bogusz – śpiew
Daniel Kaczmarczyk – bębny
Piotr Rejdak – gitara
Grzegorz Kolbrecki -kontrabas
Źródło: Materiały promocyjne organizatora.

Gdzie:
Klub Muzyczny Stary Klasztor, Purkyniego 1, Wrocław

Lis
16
czw
Benjamin Clementine – Poznań
Lis 16@20:00 – 23:00

Niezwykły Benjamin Clementine wraca do Polski i przedstawia nową kompozycję „Phantom Of Aleppoville”! Wokalista i pianista, który zadziwił świat płytą „At Least For Now” tym razem wystąpi w Poznaniu – 16 listopada w Hali 2 MTP.

Autora takich przebojów jak „London” czy „Nemesis” niedawno słyszeliśmy jako gościa w piosence Gorillaz „Hallelujah Money”. Nowy utwór „Phantom Of Aleppoville” to jednak pierwsza autorska kompozycja Benjamina od czasu genialnego krążka „At Least For Now”, który w Polsce muzyk zaprezentował m.in. podczas recitalu na antenie radiowej „Trójki”. Poznański koncert artysty będzie częścią jesiennej trasy, podczas której Anglik zagra m.in. w słynnej Carnegie Hall w Nowym Jorku.
Nowej piosence Benjamina towarzyszy teledysk autorstwa Craiga McDeana i Mashy Nansukowej. Utwór zrodził się z inspiracji książką brytyjskiego autora Donalda Winicotta, poświęconej traumom wieku dziecięcego. „Aleppoville to miejsce, gdzie wielu, jeśli nie wszystkich, dotykają prześladowania i nikt nie rozumie z jakiego powodu. Koszmar” – mówi twórca.
Benjamin to jedna z najbardziej niezwykłych postaci muzycznej sceny ostatnich lat, artysta obdarzony wspaniałym głosem, talentem lirycznym i naturalną sceniczną charyzmą. Grywa w największych salach koncertowych świata, jednak swój muzyczny talent rozwinął przez lata występując na paryskich ulicach. Do dziś ma słabość do piosenek Edith Piaf, Charlesa Aznavoura, Billie Holiday czy Niny Simone, których piosenki wyśpiewywał na skwerach Montparnasse. Stałym punktem jego repertuaru były wówczas także piosenki nieodżałowanego Leonarda Cohena, który do dzisiaj stanowi dla niego silną inspirację.
Londyńczyk na paryskiej emigracji długo walczył o uznanie, jednak entuzjastyczne przyjęcie płytowego debiutu „At Least For Now” warte było wielu lat cierpliwej pracy. „Potrafi połączyć intymność Antony’ego (Anohni) z pasją Arethy Franklin i intensywnością Edith Piath” – pisano w prasie. Krążek Clementine’a uhonorowano zarówno „francuskim Grammy” czyli nagrodą „Victoires de la Musique” jak i najbardziej prestiżowym brytyjskim wyróżnieniem „Mercury Award”.
Płyta okazałą się też ogromnym sukcesem nad Wisłą, zaś Benjamin zagrał wspaniały, transmitowany na antenie „Trójki”, kameralny koncert w Studiu Polskiego Radia im. Agnieszki Osieckiej. Wraz z Kwintetem Smyczkowym Polskiej Orkiestry Radiowej jako gość specjalny wykonał też piosenkę „London” podczas Gali Fryderyków. Wystąpił również na Gali Przeglądu Piosenki Aktorskiej we Wrocławiu oraz dał niezapomniany recital w stołecznym Palladium. 16 listopada Benjamin Clementine po raz pierwszy wystąpi w Poznaniu w Hali 2 MTP.

Benjamin Clementine „Phantom Of Aleppoville” https://

Przedsprzedaż biletów od środy 31 maja.
Od piątku – 2 czerwca – bilety dostępne na Biletomat.pl, Eventim.pl, Ticketpro.pl oraz w sieciach EMPiK, Mediamarkt, Saturn.

Lis
20
pon
Ethno Jazz Festival: Anthony Strong – Wrocław
Lis 20@20:00 – 22:00

ANTHONY STRONG – nowa angielska gwiazda wokalistyki jazzowej we Wrocławiu!

Jamie Cullum i Michael Bublé nie mogą spać spokojnie! Okrzyknięty w rodzinnej Anglii gwiazdą wokalistyki jazzowej Anthony Strong błyskawiczne wdarł się na estrady światowe i swoim charakterystycznym głosem czaruje publiczność na kilku kontynentach. W ramach swojej trasy koncertowej zawita również do Wrocławia i 20 listopada da ekskluzywny koncert w Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze. Po jego pierwszym koncercie w lutym 2014 roku publiczność Ethno Jazz Festivalu miała w pełni uzasadnione przekonanie, że była świadkiem narodzin prawdziwej gwiazdy jazzu. Teraz artysta powraca do Wrocławia z nową płytą i nowymi doświadczeniami.

Anthony Strong to brytyjski pianista jazzowy, kompozytor, wokalista oraz autor tekstów. W kompozycjach Stronga słychać wpływ klasyków jazzowych a jego gra na fortepianie opiera się na ogromnej wiedzy na temat swingu Wyntona Kelly, Oscara Petersona czy Billa Evansa. W swoim gładkim, dopasowanym garniturze i osobistym urokiem Anthony Strong zdaje się szczęśliwie wypełniać rolę „angielskiego gentlemana”. Jego głos i swingujący styl gry na fortepianie połączone z płynącą ze sceny energią, to muzyczna uczta, którą docenia publiczność z całego świata.

Wczesne lata Anthony spędził w trzech wiodących szkołach muzycznych w Anglii, najpierw studiując grę na fortepianie klasycznym, ostatecznie poświęcając się muzyce jazzowej. Wczesne zamiłowanie do muzyki Oscara Petersona, Billa Evansa i Wyntona Kelly ostatecznie doprowadziły go do Franka Sinatry, Mel Torme’a i Nat King Cole’a i w konsekwencji do jazzowej wokalistyki. Od czasu wydania jego debiutanckiego albumu w 2013 r., o Anthonym napisano na pierwszej stronie najbardziej poczytnego francuskiego dziennika Le Figaro, wystąpił na żywo przed milionami widzów niemieckiej telewizji, a przez brytyjską prasę został uznany za “ogromny talent, z wszelkimi zadatkami na kolejną, obok Jamiego Culluma i Michaela Bublé, gwiazdę panteonu współczesnego retro-jazzu.” Jako “nowa angielska gwiazda jazzu”, mogąca pochwalić się występem przed legendarnym BB Kingiem i wydaniem minialbumu, który dotarł na pierwsze miejsce brytyjskiej listy przebojów jazzowych, wokalista i pianista Anthony Strong wzbudził zainteresowanie najbardziej znaczących wytwórni muzycznych na świecie. A album Stepping Out znalazł się na pierwszym miejscu amerykańskiej stacji iTunes Jazz Charts. Stale wzbogaca trasę koncertową, która do tej pory dotarła do 26 krajów na 4 kontynentach. Harmonogramy trasy mówią same za siebie: CCB w Lizbonie o liczbie 1.300 osób, legendarny francuski festiwal Jazz w Marciac, Marina Bay Sands w Singapurze i Hollywood Bowl w USA.

Wydanie albumu „On A Clear Day” z 2015 roku było wyrazem zamiaru kontynuowania tego, co robi najlepiej. Repertuar jest bezgranicznie „starą szkołą” – od standardów jazzowych i klasyki, aż po wczesnego Stevie Wonder i Motown – przecięcie jego osobistej kolekcji.

Lis
29
śr
Ethno Jazz Festival prezentuje: Monika Borzym – Wrocław
Lis 29@20:00 – 22:00

Ethno Jazz Festival zaprasza na koncert „Jestem Przestrzeń” Moniki Borzym z zespołem.

Muzycy zaprezentują materiał z płyty „Jestem Przestrzeń”, wydanej w lipcu 2017 roku przez Muzeum Powstania Warszawskiego. Poezja Anny Świrszczyńskiej w wyborze Agnieszki Glińskiej, kompozycje Mariusza Obijalskiego interpretacje Moniki Borzym – to wszystko jest ucztą dla zmysłów. Jeśli chcecie wziąć udział w tym niesamowitym spektaklu pełnym wzruszeń i emocji – nie może Was zabraknąć w Starym Klasztorze 29 listopada 2017 roku.

Lis
30
czw
Tomasz Stańko New York Quartet – Wrocław
Lis 30@19:00 – 21:00

Tomasz Stańko kontynuuje trasę koncertową promującą jego najnowszy album dla ECM Records, “December Avenue”. To album pełen poetyckiej lekkości, ballad przedzielonych ekspresyjnymi groovami – Tomasz Stańko i jego wyjątkowy język w najlepszej odsłonie.

Tomasz Stańko – według tygodnika The New Yorker „jeden z najbardziej oryginalnych i nowatorskich trębaczy jazzowych świata”. Ton jego trąbki i wyjątkowe kompozycje, stanowią o jego legendzie i niepodważalnej pozycji na światowej scenie. Od lat nagrywa dla prestiżowej monachijskiej wytwórni ECM, której nakładem ukazały się m.in. takie albumy, jak “Balladyna”, “Soul of Things”, “Dark Eyes” (muzyka z tej płyty jest wykorzystana w amerykańskim serialu “Homeland”), czy “Wisława” – dedykowana noblistce Wisławie Szymborskiej, z którą Stańko też miał honor współpracować. Został nagrodzony wieloma wyróżnieniami, m.in: European Jazz Prize; nagrodą Francuskiej Akademii Jazzu: honorową nagrodą krytyków muzycznych – ‘Preis der deutschen Schallplattenkritik’; Złotym Fryderykiem; Paszportem Polityki; wysokimi odznaczeniami państwowym: Krzyżem Komandorskim Orderu Odrodzenia Polski, krzyżem Komandorskim z Gwiazdą Orderu Odrodzenia Polski. Na równi z tymi znamienitymi nagrodami można postawić fakt, że Stańko i jego utwór “Suspended Night / Variation VIII” znalazł się w płytowej antologii / kompendium jazzu, stworzonej przez największy na świecie kompleks edukacyjno-badawczy, amerykański Instytut Smithsona. Na ponad 100 zebranych tam utworów, zaledwie garstka to nagrania europejczyków, a idea tej publikacji to prezentacja największych legend i innowatorów w historii jazzu. Ale być może jeszcze większym wyróżnieniem jest to, że muzykę Tomasza Stańko słucha Harry Bosch, znany ze swojego doskonałego gustu muzycznego detektyw z powieści jednego z najbardziej popularnych pisarzy kryminałów, Michaela Connelly’ego.

W powieści “Dziewięć smoków” Harry Bosch ścigając przestępców, jak zwykle słucha w samochodzie muzyki. „Dziś wypełnił go muzyką swojego najnowszego odkrycia. Tomasz Stańko był polskim trębaczem, który brzmiał jak duch Milesa Davisa. Jego trąbka grała ostro, a zarazem rzewnie. To była świetna muzyka do prowadzenia inwigilacji. Pozwalała Boschowi zachować czujność. (…) O szesnastej Bosch włączył płytę „Soul of Things” i uznał, że nawet Miles musiałby uznać geniusz Tomasza Stańki”.

Tomasz Stańko – trąbka
David Virelles – piano
Eric Revis – kontrabas
Gerald Cleaver – perkusja

Regulamin Imprezy dostępny na: www.goodtaste.pl/regulamin

Gru
1
pt
Asaf Avidan – Poznań
Gru 1@18:00 – 22:00

TIMETABLE:
18:00 – otwarcie klubu
19:00 – start koncertu

Asaf Avidan powraca do Polski! Artysta obdarzony wyjątkowym głosem o hipnotyzującej barwie już pod koniec listopada wystąpi w Krakowie oraz Warszawie. Izraelska gwiazda rocka, folku i bluesa zaprezentuje materiał z najnowszego albumu „The Study On Falling”, który ukaże się na początku listopada 2017.

Początki kariery Asafa Avidana sięgają 2006 roku, kiedy to wydał swoją debiutancką minipłytę zatytułowaną „Now That You’re Leaving”. Dwa lata później na rynku ukazał się jego pierwszy album „The Reckoning”, który nagrał wraz z zespołem The Mojos. Bezdyskusyjny talent oraz niepowtarzalna barwa głosu młodego muzyka przysporzył mu miliony fanów na całym świecie. Sam wokalista często porównywany jest do takich artystów jak Robert Plant czy Janis Joplin.

Obecnie Asaf Avidan ma na swoim koncie trzy albumy studyjne, wydane w ramach projektu „Asaf Avidan & The Mojos”, jak również dwa krążki solowe. Najnowsza, autorska płyta artysty ujrzy światło dzienne na początku listopada 2017. Wydawnictwo zapowiada singiel o tym samym tytule – „The Study On Falling”.

Materiał z nowego krążka wokalista zaprezentuje w ramach najnowszej trasy koncertowej, w trakcie której wystąpi w Polsce. 29 listopada polska publiczność będzie miała okazję usłyszeć artystę w krakowskim Klubie Studio, a dzień później w warszawskiej Stodole.

ZAPRASZAMY

Bilety:
Stojące – 129 PLN

do kupienia w kasie Klubu Stodoła (Warszawa ul. Batorego 10)
Sprzedaż internetowa: www.stodola.pl, www.eventim.pl, www.ebilet.pl, www.ticketpro.pl, www.biletomat.pl

Podane godziny są orientacyjne i mogą ulec zmianie.

Kup kartę podarunkową klubu Stodoła i obdaruj kogoś bliskiego wyjątkowym koncertem. Szczegóły na www.stodola.pl

Osoby poniżej 16 roku życia mogą uczestniczyć w koncercie wyłącznie pod opieką rodzica (lub wskazanego przez niego opiekuna).
Osoby, które ukończyły 16 rok życia, a nie ukończyły 18 roku życia muszą mieć przy sobie oświadczenie ze zgodą na udział w imprezie, podpisane przez rodzica bądź prawnego opiekuna.
Pobierz oświadczenie:
http://pliki.stodola.pl/OswiadczenieOpiekunaKlubStodola.pdf

Wszelkie pytania dotyczące wsparcia osób z problemami z poruszaniem się, prosimy kierować na adres: niepelnosprawni@stodola.pl

Gru
2
sob
Glenn Miller Orchestra – Wrocław
Gru 2@16:00 – 18:00

Najpopularniejsza BIG-BANDowa grupa na świecie! Zespół zasłynął m.in. ze wspólnych występów z takimi gwiazdami jak: Frank Sinatra, Johnny Desmond czy Erik Delaney. Ich prestiżowe występy to błyskotliwe i precyzyjne brzmienie sekcji instrumentów, zupełnie jak na początku ubiegłego wieku. Orkiestra Glenna Millera miała już zaszczyt zagrać dla milionów widzów na całym świecie. Składająca się z najlepszych na świecie instrumentalistów grupa przewodzona przez wielkiego Wila

Saldena, zaprezentuje publiczności swoje niesamowite show. W oryginalnym programie scena zamienia się w kolebkę muzyki z początku ubiegłego wieku. Usłyszymy najbardziej znane utwory z całego przekroju twórczości Glenna Millera, takie jak: In the Mood, Moonlight Serenade, Chattanooga Choo Choo, Pennsylvania 6-5000, At Last, A String of Pearls czy American Patrol.

Każdy muzyk lub kompozytor marzy o stworzeniu absolutnie wyrazistego brzmienia, które natychmiast będzie rozpoznawalne zaledwie po kilku pierwszych taktach – słowa założyciela orkiestry, Glenna Millera, stały się ogromną inspiracją dla Wila Saldena. Został on mianowany na stanowisko głównego dyrygenta Orkiestry za swoją wieloletnią pracę i zaangażowanie. Jako perfekcjonista, zawsze wymagał takiej postawy również od każdego członka grupy. To właśnie jego podejście do pracy sprawiło, że otrzymał od publiczności najcenniejszą nagrodę – podziw i zachwyt.

Wizytówką muzycznego świata kapeli jest niewątpliwie sentymentalna ballada Moonlight Serenade, nutka w nutkę jak Glenn Miller przykazał. Eleganccy muzycy niezwykle cieszą się swym graniem, widać, że kochają swój emocjonalny jazz. Historię grupy tworzy wieloletnia działalność koncertowa oraz osiągnięcia budzące zazdrość artystycznego świata. Nawet Beatlesi czy Elvis Presley nie mogą poszczycić się taką liczbą hitów królujących na pierwszych miejscach list przebojów. Tylko ten zespół odbył dziesiątki światowych tras koncertowych, na które bilety zostały wyprzedane w ciągu jednego dnia! Jest jedyną orkiestrą, która występuje przez większość dni w roku, dając blisko 300 koncertów rocznie, odwiedzając nawet najodleglejsze zakątki świata. Glenn Miller Orchestra występowała w całych Stanach Zjednoczonych, Europie, Australii, Nowej Zelandii, Ameryce Południowej, Japonii i na Filipinach. Już grudniu polscy fani jazzu i swingu będą mieli wyjątkową okazję wybrać się w muzyczną podróż z Orkiestrą Glenna Millera!

Gru
3
nie
Ethno Jazz Festival: The Bulgarian Voices Angelite – Wrocław
Gru 3@19:00 – 21:00

The Bulgarian Voices Angelite – światowej sławy żeński chór we Wrocławiu!

THE BULGARIAN VOICES ANGELITE będzie kolejną gwiazdą wrocławskiego Ethno Jazz Festival. Jedyny w Polsce koncert światowej sławy żeńskiego chóru z Bułgarii odbędzie się 3 grudnia w Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze.

Ten fenomenalny zespół po raz pierwszy zachwycił świat podczas występu w Niemczech w 1987 roku, w Bremen, aby w kolejnych latach odwiedzić z koncertami całą kulę ziemską – od Alaski do Japonii, od Meksyku po Indie. Bułgarskie Głosy śpiewały na ceremonii rozdania nagród Nobla w Oslo oraz dla hinduskiego maharadży, współpracowały z Bobby McFerrinem oraz japońskimi perkusistami z Kodo, a także wyprodukowały fascynujące nagrania z alikwotowymi śpiewakami z Tuwy.

Dyrygentem chóru jest Georgi Petkov, uznawany w Bułgarii za jednego z czołowych kompozytorów. Urodzony w mieście Gaborovo w rodzinie tradycyjnych muzyków. Ukończył Konserwatorium Muzyczne w Płowdiwie na wydziale dyrygentury chóralnej. Pracował jako dyrygent oraz główny dyrygent wielu najświetniejszych bułgarskich chórów, z którymi koncertował w całej Europie. Georgi Petkow jest również uznawany w Bułgarii za jednego z czołowych kompozytorów młodego pokolenia. Jego utwory znalazły się na płytach wielu uznanych w świecie zespołów.

Chór wydał osiem płyt pod własnym szyldem, a także trzy nagrania z wokalistami Huun-Huur-Tu i Moscow Art Trio: „Mountain Tale” – symfoniczną muzykę świata z 28 muzykami na scenie. Występy cieszą się niebywałą popularnością, a na koncertach Bulgarians Voices Angelite bywali tacy artyści jak Stevie Wonder czy Björk.

Po dość długim okresie twórczości trwającym 30 lat a także nowym pokoleniem w zespole, muzyka wokalna chóru nie traci na jakości i emocjach. Nowa, młodsza publiczność odkrywa ten fascynujący chór z jego ponadczasową muzyką Podczas wrocławskiego koncertu na Ethno Jazz Festival zespół zaprezentuje najpiękniejsze kolędy prawosławne oraz tradycyjną muzykę cerkiewną.

Gru
5
wt
Glenn Miller Orchestra – Poznań
Gru 5@19:30 – 21:30

Najpopularniejsza BIG-BANDowa grupa na świecie! Zespół zasłynął m.in. ze wspólnych występów z takimi gwiazdami jak: Frank Sinatra, Johnny Desmond czy Erik Delaney. Ich prestiżowe występy to błyskotliwe i precyzyjne brzmienie sekcji instrumentów, zupełnie jak na początku ubiegłego wieku. Orkiestra Glenna Millera miała już zaszczyt zagrać dla milionów widzów na całym świecie. Składająca się z najlepszych na świecie instrumentalistów grupa przewodzona przez wielkiego Wila

Saldena, zaprezentuje publiczności swoje niesamowite show. W oryginalnym programie scena zamienia się w kolebkę muzyki z początku ubiegłego wieku. Usłyszymy najbardziej znane utwory z całego przekroju twórczości Glenna Millera, takie jak: In the Mood, Moonlight Serenade, Chattanooga Choo Choo, Pennsylvania 6-5000, At Last, A String of Pearls czy American Patrol.

Każdy muzyk lub kompozytor marzy o stworzeniu absolutnie wyrazistego brzmienia, które natychmiast będzie rozpoznawalne zaledwie po kilku pierwszych taktach – słowa założyciela orkiestry, Glenna Millera, stały się ogromną inspiracją dla Wila Saldena. Został on mianowany na stanowisko głównego dyrygenta Orkiestry za swoją wieloletnią pracę i zaangażowanie. Jako perfekcjonista, zawsze wymagał takiej postawy również od każdego członka grupy. To właśnie jego podejście do pracy sprawiło, że otrzymał od publiczności najcenniejszą nagrodę – podziw i zachwyt.

Wizytówką muzycznego świata kapeli jest niewątpliwie sentymentalna ballada Moonlight Serenade, nutka w nutkę jak Glenn Miller przykazał. Eleganccy muzycy niezwykle cieszą się swym graniem, widać, że kochają swój emocjonalny jazz. Historię grupy tworzy wieloletnia działalność koncertowa oraz osiągnięcia budzące zazdrość artystycznego świata. Nawet Beatlesi czy Elvis Presley nie mogą poszczycić się taką liczbą hitów królujących na pierwszych miejscach list przebojów. Tylko ten zespół odbył dziesiątki światowych tras koncertowych, na które bilety zostały wyprzedane w ciągu jednego dnia! Jest jedyną orkiestrą, która występuje przez większość dni w roku, dając blisko 300 koncertów rocznie, odwiedzając nawet najodleglejsze zakątki świata. Glenn Miller Orchestra występowała w całych Stanach Zjednoczonych, Europie, Australii, Nowej Zelandii, Ameryce Południowej, Japonii i na Filipinach. Już grudniu polscy fani jazzu i swingu będą mieli wyjątkową okazję wybrać się w muzyczną podróż z Orkiestrą Glenna Millera!

Sty
7
nie
Waglewski Fisz Emade zagrają w Imparcie! we Wrocławiu
Sty 7@19:00

Waglewski Fisz Emade zagrają w Imparcie!

wROCKfest.pl zaprasza na muzyczne spotkanie z rodziną Waglewskich!
Waglewski Fisz Emade wystąpią 7 stycznia w sali teatralnej B.F. Impart przy ul. Mazowieckiej 17

Na koncercie będzie można usłyszeć materiał z najbardziej osobistej w dorobku trio płyty „Matka, Syn, Bóg”, nie zabraknie również utworów z innych etapów bogatej działalności artystycznej Waglewskich.
Tym razem jest to płyta wymyślona wspólnie… zespołowo, ponieważ od czasu poprzedniej płyty będącej jednorazowym projektem, powstał zespół Waglewski Fisz Emade, w związku z tym jest większa dojrzałość i większa spójność materiału.
„Matka, Syn, Bóg” to płyta wydana 5 lat po sukcesie platynowej „Męskiej muzyki”. Promujący album singiel „Ojciec” już w kilka dni po premierze znalazł się na szczycie listy przebojów Programu Trzeciego Polskiego Radia.
Za produkcję krążka odpowiada Emade, który także gra we wszystkich utworach na perkusji. Warstwa liryczna to Fisz (głos, gitara basowa) i Wojciech Waglewski (głos, gitary). Kompozycje w większości należą do Wojciecha Waglewskiego. Swój wkład w sukces albumu mieli także się m.in. Miłosz Pękala – wibrafon (Mitch&Mitch), wokalistka duetu Rebeka – Iwona Skwarek, Mariusz Obijalski – fortepian (Tworzywo, Natu) i Stefan Wesołowski – instrumenty smyczkowe.

7.01.18 godz. 19.00 B.F.Impart, ul. Mazowiecka 17
wROCKfest.pl prezentuje:
WAGLEWSKI FISZ EMADE
bilety: 100 zł – I miejsca, 80 zł – II miejsca, 65 zł – III miejsca, 50 zł – miejsca stojące

Bilety dostępne w sieci salonów Empik, Saturn i MediaMarkt w całej Polsce
oraz w serwisach: www.wrockfest.pl/bilety-online/, www.biletin.pl, www.ticketpro.pl,www.biletyna.pl, www.eventim.pl
rezerwacje: bilety@o2.pl

Uwaga, kupuj bilety wyłącznie w autoryzowanych punktach!
Zakup biletów poza autoryzowanymi punktami sprzedaży (Facebook, aukcje internetowe, systemy odsprzedaży biletów itp.) stwarza ryzyko zakupu biletów nieoryginalnych lub nieważnych, które nie umożliwią wejścia na koncert.

Sty
21
nie
Tribute to George Michael w Starym Klasztorze! – Wrocław
Sty 21@19:00 – 22:00

Tribute to George Michael w Starym Klasztorze!

Klub muzyczny Stary Klasztor zaprasza na koncert Tribute to George Michael w wykonaniu Mateusza Kowalczyka z zespołem!

21 stycznia w Sali Gotyckiej w Starym Klasztorze artyści zaprezentują największe utwory brytyjskiego artysty + dodadzą kilka muzycznych niespodzianek od siebie. Z pewnością nie zabraknie takich hitów jak „Careless Whisper” czy „Faith” jak i innych znanych utworów George’a Michaela

Mateusz Kowalczyk to wokalista i gitarzysta mocno związany z wrocławską sceną muzyczną. Dotychczas mogliśmy go usłyszeć w funkowej grupie Yummy Mummy i Ela Dębska Band z którą koncertuje po całej Polsce. Na swoim koncie ma autorską płytę zespołu Yummy Mummy pt. „Funky Diskotek”, gdzie był współtwórcą tekstów i muzyki.
Muzyka jaką na co dzień prezentuje swoim słuchaczom kręci się wokół bluesa, popu i funka. Obecnie pracuje nad realizacją swojego własnego materiału.

Na koncercie Tribute to George Michael zespół wystąpi w składzie:
Mateusz Kowalczyk – gitara/wokal
Tomasz Jędrzejewski – piano
Paweł Wygas – bas
Mateusz Maniak – perkusja
Aleksandra Turoń – chórki
Katarzyna Szyszka – chórki

Zapraszamy w niedzielę 21 stycznia na dużą dawkę energii!

21.01.18 godz.19.00 Sala Gotycka w Starym Klasztorze, ul. Purkyniego 1
TRIBUTE TO GEORGE MICHAEL
miejsca stojące: 25 zł – przedsprzedaż, 30 zł – w dniu koncertu
miejsca siedzące: 40 zł – przedsprzedaż, 45 zł – w dniu koncertu

Bilety dostępne w sieci salonów Empik, Saturn i MediaMarkt w całej Polsce
oraz w serwisach: www.staryklasztor.com.pl/bilety/, www.biletin.pl, www.ticketpro.pl, www.eventim.pl
rezerwacje: bilety@o2.pl